第三，以虚带实，虚与实并存 。
中国画审美体系的形成和发展与中国哲学思想息息相关，并受其支配，其中的“真”、“密”、“白如黑”、“天人合一”等思想都带有浓厚的道家色彩 。老子日:“世间万物皆有所生，万物皆无所生” 。“存在”是宇宙的实体，是现实，是中国画的笔墨 。“无”是宇宙的空空间，是中国画中想象的地方，即空白色的地方，笔墨的轻盈空灵之地 。“虚构”和“现实”是一对既对立又统一的矛盾体 。没有空就没有现实，没有现实就没有空 。清初画家笪重光在《画》中说:空这幅画很难，但真实的场景是清晰的空场景是存在的 。上帝不能被描绘，但真理是被迫的，上帝是天生的 。现实与现实并存，没有一幅画是精彩的地方 。”中国画既要有实质，也要有不足 。画中的空与实相辅相成，相互依存 。要让虚拟的地方空有灵性，光是从虚拟的地方找就像从树边找鱼一样 。老子说:“知白守黑 。”也就是说，要让空性发挥作用，就要现实，关注空白的空性，必须以笔墨的现实为基础 。以白为黑，知白为黑，是中国古典哲学和传统绘画理论中真与假相结合的辩证原则 。
中国画的脊梁是“线” 。通过线条的力度、直线度、长度、粗细、明暗、真实、转折等变化，表现物体的形体、纹理、动态趋势等复杂关系，形成完整的形态 。人物画中有所谓的“十八笔”，是历代画家创作的线条类型，如游丝、铁线、兰叶、蚯蚓等 。这只是指可以和实物对比的部分，线型的变化不止十八个描述 。有人说欧洲文艺复兴之前的绘画也是用线条来表现物体的 。他们认为线条不应该被视为中国造型的特征，而是一种落后的方式 。持这种观点的人认为欧洲绘画在文艺复兴后很久就放弃了线条，认为线条已经过时落后 。从这个逻辑出发，木刻印刷产生的木刻艺术早就应该在这个摄影时代被淘汰，但木刻艺术却在走自己的路 。
第四，采取大视野和小视野，分散视角 。
西画采用焦点透视法，简单来说就是距离小，距离在某一点消失 。然而，中国画采用分散的视角 。画家的观察点不是固定在一个地方，也不受视野的限制 。而是根据需要，移动落脚点进行观察 。他从不同的立足点看到的东西可以组织成他自己的画面 。这种透视法也叫“动视点” 。
除了时间因素之外，一门艺术的发展与其特殊的表现形式和产生它的民族的特点密切相关 。如果去掉这两个因素，那么绘画就只能有一种，油画和国画或者漫画和木刻是没有区别的 。
“线”是中国画的基本语言，在历代画家的创作中得到了高度发展 。“线”已经脱离了原来只显示图像轮廓的状态 。一个完整生动的形象必须是“形、质、动”的有机联系 。因此，“线”的作用除了表现出准确的结构外，还在于充分表现图像的纹理和运动 。严格来说，中国画的每一条线都要同时表达“形、质、动”的综合效果，没有很高的艺术技巧是不容易达到的 。唐代大画家吴道子所塑造的人物被称为“吴带党风”，说吴的人物画有随风飘动的感觉，说吴的山水画是“纵写，如风雨骤至，雷雨转来” 。可以想象，吴道子的台词真的达到了千变万化、波澜壮阔的境地 。
除了“线”法，还有“搓”、“擦”、“点”、“染”等笔画 。在山水画中，由于山景、石形、土质的变化，画家们创造了“穿麻”、“乱柴”、“鬼面”、“斧劈”等方法 。“抹”和“点”是画块墨或色时的一种笔法 。“染色”是使用湿墨或染色的方法 。人物画的“开脸”，花鸟画的色彩设置，山水画的阴阳区分，都需要用染色的方法来丰富图像的体量感和色彩感 。
郭早春图
中国画的造型手法讲究笔墨，笔法和墨法是联系在一起的 。在用笔的变化上，即在线条、搓、点、染等笔法的运用上，一定要用正确的墨色变化，才能充分表现形象 。笔墨的关系，在某种程度上，就像是血肉的关系 。笔无墨如瘦子，墨无笔如大胖子，不健康 。
一般来说，水墨是山水画的主干，浓墨的色彩很少使用 。水墨画纯粹通过墨色的变化来表现色彩 。在花鸟画中，在写意特别发达的现代，画家们也喜欢单独使用墨色 。即使使用了颜色，他们也认为整个绘画的颜色是无色的，只有在需要的地方染出了需要的颜色，才能发挥颜色的效果 。齐白石的牡丹，枝叶用墨，花头用色，从而降低了绿叶的色彩感，使得红花格外鲜艳 。
潭南田春风地图
动词 （verb的缩写）诗歌、书画印刷、综合艺术
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